El CAAC presenta dos exposiciones

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), dependiente de la Consejería de Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía, presenta la primera exposición individual de la artista cubana Claribel Calderius (La Habana, Cuba 1986) en una institución española. Esta muestra marca un hito en su carrera al ofrecer un proyecto exclusivo y único, concebido íntegramente para la Capilla de San Bruno, un espacio cargado de historia y resonancias espirituales, que converge con el universo simbólico de su obra.

Bajo el título ‘Sensemayá. Cánticos para matar a la culebra’, Calderius propone un recorrido visual y emocional que combina tradición, memoria y espiritualidad. Inspirada en el poema homónimo de Nicolás Guillén, la exposición retoma la figura de la culebra como un símbolo cargado de significados: regeneración, cambio y poder espiritual. En este contexto, Calderius transforma esta capilla del CAAC en un espacio donde lo material y lo simbólico, lo ancestral y lo contemporáneo, dialogan en una danza de luces, sombras y texturas.

Para esta exposición, la artista utiliza fibras de yute, un material rústico, orgánico y profundamente cargado de simbolismo, para construir un lenguaje visual que resignifica la arquitectura y la historia del lugar. El yute, un material humilde que en manos de Calderius adquiere una carga simbólica profunda, no solo se convierte en un puente entre lo terrenal y lo espiritual, sino también en una herramienta para explorar la conexión entre las raíces culturales y la renovación. Tejer, acto central en su práctica artística, se presenta aquí como una metáfora que habla de un proceso de sanación, memoria y resistencia. A través de patrones y formas, Calderius evoca las redes invisibles que sostienen las historias compartidas y nos invitan a reflexionar sobre los ciclos de vida, muerte y renacimiento.

El sincretismo, eje central del trabajo de Calderius, aquí no es solo un tema, sino una metodología. ‘Las piezas de Calderius dialogan con los ecos de las prácticas religiosas afrocubanas, como la santería y el palo monte, donde el tejido cultural caribeño se define por la mezcla y la resistencia. Esta riqueza sincrética se traduce en una poética visual que evoca rituales, la esencia del espíritu, gestos comunitarios y paisajes de resistencia’, señala Jimena Blázquez, directora del CAAC y comisaria de la muestra.

Cada una de las obras de ‘Sensemayá. Cánticos para matar a la culebra’ ha sido creada específicamente para la Capilla de San Bruno, respetando y dialogando con la arquitectura única del espacio. Los altos techos, las paredes encaladas y la atmósfera de recogimiento se transforman en el escenario ideal para una experiencia inmersiva.

Sturtevant: el eco de la innovación
De otro lado, el CAAC ha presentado la exposición ‘Sturtevant: el eco de la innovación’, la primera gran exposición en España dedicada a la obra revolucionaria de Sturtevant (1924, Lakewood, Ohio – 2014, París). La muestra conmemora el centenario de la artista y destaca su práctica disruptiva cuya obra cuestionó los fundamentos de la originalidad, la autoría y los sistemas que definen el mundo del arte. La muestra, comisariada por Jimena Blázquez Abascal, directora del CAAC y del C3A, está compuesta por obras provenientes de prestigiosas colecciones internacionales y estará abierta al público desde el 27 de febrero hasta el 21 de septiembre de 2025 en las salas del Claustrón Sur y la Capilla de Afuera del CAAC.

Para la consejera de Cultura y Deporte Patricia del Pozo, la exposición de Sturtevant, supone “una de las apuestas más ambiciosas y relevantes de la programación del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo para esta temporada”. No en vano, esta muestra está compuesta “por más de 40 obras procedentes de prestigiosos museos, como el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York o la Colección Pinault de París, además de varias colecciones privadas, poniendo de manifiesto así el gran trabajo del CAAC para establecer lazos de diálogo y colaboración con instituciones artísticas internacionales”, en palabras de Del Pozo.

Reconocida como una de las artistas más radicales e influyentes del siglo XX y XXI, Sturtevant repitió obras icónicas de sus contemporáneos, subvirtiendo las ideas convencionales de la creatividad artística. ‘Su práctica invita al público a reconsiderar su entendimiento y enfoque hacia el arte. Estas piezas abarcan desde la década de 1960, cuando comenzó a repetir obras de sus contemporáneos Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Jasper Johns y James Rosenquist, hasta repeticiones de instalaciones de una nueva generación de artistas en las décadas de 1990 y 2000, incluyendo a Robert Gober y Félix González-Torres, así como sus últimas obras en vídeo’, señala Jimena Blázquez, comisaria de la muestra.

Las salas del Claustrón Este del CAAC contienen obras como ‘Warhol Diptych’ (2004), una repetición de la icónica serie de Marilyn Monroe de Andy Warhol, y ‘Duchamp 1,200 Coal Bags’ (2008), obra perteneciente a la Colección Pinault, que revisita la instalación creada originalmente por Duchamp en los años 30. ‘Estas piezas no son imitaciones, sino cuestionamientos conceptuales que exponen las dinámicas de poder del arte y del mercado que configuran el significado cultural del arte’, señala la comisaria. Por su parte, los pasillos están cubiertos con obras de Sturtevant como ‘Warhol Cow Wallpaper’ (1966), acompañado de piezas como ‘Warhol Flowers’ (1964/70), ‘Stella Arbeit Macht Frei’ (1989) y ‘Johns Flag’ (1966).

La exposición ha sido concebida como una experiencia inmersiva en la que las obras dialogan entre sí, como es el caso de las dos piezas ‘Beuys Fat Chairs’ (1992) que se sitúan frente a ‘Duchamp Fresh Widow’ (1992), creando una tensión que invita a los visitantes a reflexionar sobre los conceptos de poder y significado en el arte contemporáneo.

La muestra también incluye obras fundamentales como ‘Gober Partially Buried Sinks’ (1990), obra que examina cómo las narrativas individuales son absorbidas y resignificadas por instituciones culturales. Sturtevant realizó estudios rigurosos sobre las obras que repetía: en torno a su proceso, el canon y el valor. En este sentido, su trabajo se sitúa en la intersección donde lo visual da paso a lo conceptual.

Por su parte, la sala de la Capilla de Afuera del CAAC acoge dos de las instalaciones de Sturtevant más emblemáticas dedicadas a Félix González-Torres: ‘González-Torres, Untitled (Blue Placebo)’ (2004) (Colección del Museo Whitney de Nueva York) y ‘González-Torres, Untitled (America)’ (2004) (Colección Pinault). Sturtevant reinterpretó estas obras del artista cubano-estounidense con el objetivo de examinar cómo los significados emocionales y políticos se transforman al ser descontextualizados. Las obras de González-Torres abordaban temas como la vulnerabilidad, la identidad y las dinámicas de percepción y asignación de significado dentro del sistema del arte, ofreciendo una meditación crítica sobre la diversidad y la fragilidad de la identidad nacional estadounidense.

‘Esta retrospectiva en el CAAC, pone de relieve el compromiso de Sturtevant con las dinámicas del poder. Las disparidades entre las versiones invitan al espectador a ir más allá de sus similitudes superficiales para dar, como decía Sturtevant, “el salto de la imagen al concepto”: en lugar de algo que debe aceptarse tal cual, la obra se convierte en un catalizador para considerar la “infraestructura” del arte. Al dirigir nuestra atención a lo que no es, Sturtevant nos hace repensar lo que es. La práctica de la artista resuena, además, con las teorías de vigilancia y control de Michel Foucault y Gilles Deleuze en torno a la repetición como diferenciación, destacando los sistemas invisibles que regulan el significado artístico’, destaca Jimena Blázquez, comisaria de la exposición.

La exposición ‘Sturtevant: el eco de la innovación’ analiza el legado de esta artista y su resonancia global, destacando su relevancia continua como una figura cuya obra trasciende fronteras, instituciones y épocas. Gracias a la colaboración con prestigiosas colecciones internacionales, esta exposición ofrece una oportunidad única para experimentar, por primera vez en España, la profundidad y el alcance de una artista que cambió para siempre la forma en que pensamos sobre el arte y su percepción por parte del público, cuestionando así las ideas de autoría y originalidad.

Elaine Sturtevant
Elaine Frances Sturtevant (1924, Lakewood, Ohio – 2014, París), conocida como Sturtevant, es una destacada figura del arte conceptual, célebre por cuestionar la originalidad y la autoría. Estudió psicología en la Universidad de Iowa, filosofía en la Universidad de Zurich y arte en la Cleveland School of Art y la Art Students League de Nueva York, desarrollando un enfoque crítico y conceptual.

En los años 60, irrumpió en la escena artística de Nueva York al repetir meticulosamente obras de artistas como Andy Warhol, Jasper Johns y Roy Lichtenstein. Una frase de Warhol, ‘Pregúntenle a Sturtevant’, simboliza su capacidad técnica y su desafío a la percepción.

Tras una pausa en los años 70, retomó su práctica a finales de esa década, incluyendo en su trabajo a artistas como Joseph Beuys, Felix González-Torres y Robert Gober.

En 2011, recibió el León de Oro en la Bienal de Venecia por su trayectoria. Hasta su fallecimiento en 2014, su legado desafió las nociones tradicionales del arte en un mundo mediado por la repetición y la circulación de imágenes. Su obra sigue siendo un recordatorio de la importancia del arte como espacio para cuestionar y redefinir los sistemas que moldean nuestra percepción y comprensión cultural. La última gran retrospectiva de la artista, ‘Sturtevant: Double Trouble’, fue organizada por el MoMA en Nueva York en 2014-15 y posteriormente viajó al MOCA LA en Los Ángeles.